设计在我们生活中在哪些方面值得我们去借鉴的？
有些网页的海报，时尚类杂志，当然效仿不是设计师的目地，既然是设计更需要归属自己的东西，擅长思考和总结，不断感悟，从中找到自己的灵感，通过各种各样的元素表现出自己的手法，手法中再次升华
设计也是艺术的一种，来源于生活。拿家装设计来说，值得借鉴的很多，我去别人家首先就是看人家的装修：吊顶，墙面，欧式，现代，中式等等，不管是什么风格都有一定的参考价值，当我们设计的风格有相类似的时候，就会想到曾经看过某人家的，有些思路不对的地方我们就会吸取别人的经验，以便自己设计出更多更好的东西。
作为设计，首先应该来源于生活，高于生活！当然这是一句废话！具体的操作应该是：设计结合施工，与生活习惯相适应！这样的设计才能长久！至于说如何从生活中学习，其实很多东西上升到一定层面就是对于美的一种欣赏和认可！如果你以另外一种眼光去看生活的一些琐事，从中能发现令自己心情愉悦的点，我想那就应该是学习的地方！
我想我可以分享下自己的观点:
首先思考为什么要设计？
观点:设计发现原始动力来自于生活中的感知（包括:如何让生活更便捷、如何让家更温暖、如何满足功能需求、如何处理相关矛盾等）“创造性”的解决问题。
生活中哪些方面值得我们去借鉴？这个问题就好回答了。
核心是只要对生活充满热情、思考社会、对环境有感知、勇于实践。生活的各个方面都都是你设计创作的源泉。（ps:这里指的生活是广义、宏观的）
1.养眼好看：
科学证明经常看帅哥美女能长寿，生活的美学还是很重要的啦。看着开心。
2.实用主义：
设计是在提供最合适的解决方案，最合适不等于最好。用着放心。
3.大处考虑，小处着手：
别一下子就想用设计解决重大问题，生活本身也是这样，一点点优化，一点点改变。积累起来就是一个美好的未来。
4.断舍离：
设计其实一直在做减法，减去多余成本，减去多余信息，简化流程，优化服务，其实都是减法。找到我们想要的生活，做减法吧，会轻松很多，美好很多呀。
什么是“复古”？“复古”是如何产生美感的？
“复古”是指唐德宗贞元至宪宗元和年间，韩愈、柳宗元等人，为了适应统治者的需要，积极提倡儒学，排斥佛、老；在文学上主张恢复写秦汉时流行的不拘格式、自然质朴的散文，反对魏晋以来盛行的讲究声律、排偶和用典的骈文。因为这种骈文统治魏晋以及初唐达五百年之久。在漫长的日子里，虽然一些文人不断予以反对，但都成就不显著。到了陈子昂，他高举“复古”的旗帜，提倡“汉魏风骨”，反对“***丽竞繁》的六朝余风，并第一个用古文创作。其后，萧颖士、李华、元结、独孤及、梁肃、柳冕等人相继努力，直到韩愈，柳宗元他们适应社会发展的需要，在继承前代论文的基础上提出“文道结合”等一整套古文理论，并在实践上写出了相当数量的作品，他们的主张李观、樊宗师、李汉、李翱、皇甫湜、沈亚之、孙樵等人的支持响应，便形成了声势浩大的唐代古文运动。
唐山复古运动的胜利，***打击了***的文风，开拓了散文的实用范围，使散文更好的反映社会现实，直接影响于宋代的古文运动，并涌现出了以韩愈为首的唐宋古文八大家。他们的作品，平易自然，文从字顺，文情酣畅，舒卷自如，文笔纵横恣肆，语言简炼有力，反映了唐宋古文运动的基本要求和发展方向，对我国散文的发展产生了深远的影响。他们优美作品的创作过程，就是产生美的过程，因为，他们的作品，写山山美，状物物美，叙情情真，表意意惬，读他们的作品真正给人以美的享受。
复古就是穿越，仿以前年代才能做的事现在来做，如穿古装：汉服、旗袍、民国服装等，用以前年代的生活用具：留声机、复古相机，复古家具等等。由于是复古，所以能产生怀旧美感，视觉美感，毕竟人都是喜欢新鲜。
生活中产品的痛点及解决问题？
你好，针对生活中产品的痛点及解决问题，我来简单回答一下。
首先从家居产品方面来说，痛点可能是传统大型家具不易搬动，解决方案是***用可拆装组合式设计；其次在智能家居产品方面，痛点可能是设备间不能互相兼容，解决方案是***用通用协议进行连接。
对于一些便携篮球框产品，痛点可能在于安装过程繁琐，解决方案是独特的“一键式”结构；对于手机遥控器产品，痛点可能是操作不够方便，解决方案是***用人体工学设计等，让产品更好用。
1. 生活中产品存在痛点 2. 因为产品设计和生产过程中，可能会忽略用户的真实需求和使用场景，导致产品存在一些不便或者烦恼的问题，例如电池续航时间短、使用界面不友好等等。
3. 为了解决这些问题，产品设计师需要更多地了解用户的需求和使用场景，进行用户研究和测试，以便在产品设计和生产过程中更好地考虑用户的真实需求。
同时，也需要不断优化和改进产品，以提高用户的使用体验和满意度。
请问:画匠、画家、书画艺术家有什么区别？艺术家的画作有什么特质？
想知道画匠、画家、书画艺术家的区别，首先要知道三者称谓的含义。
画匠: 以继承前人的绘画的技能作为终其一生的手艺，并用其谋生，或对绘画技能略作创新，以适应时代要求的应该称为画匠。
画家: 能够全面掌握绘画技术，有一定的鲜明艺术持色，但还缺少富有魅力的艺术感染力。
书画艺术家: 通常被认为具有相当艺术成就的，且被同行公认的具有很高人气的书画家。
三者的区别在于画匠只是机械的继承前人的成里，或很少有创新，即使有创新也是局部的。而画家则是同样继承前人绘画方法，并在此基础上形成一定的鲜明个人特色，具有灵动的风格而不是机械模仿。书画艺术家则是完全具有自己的艺术风格，区别于任何前人的艺术风格。
画匠的画如藏族的唐卡壁画，敦煌莫高窟壁画，年俗画，其他民族的建筑画作，家具画作等，都具有民间色彩和固定的画作格式。
画家和书画艺术家的画就显得灵动多变，具有各自的风格。下面举例说说我国著名的书画大家的艺术风格。
齐白石是我国现代绘画***，擅画花鸟、虫鱼、山水、人物，笔墨雄滋润，色彩浓艳明快，简洁生动，意境淳朴，天趣横生。
白石老先生一生画作无数，代表作为《虾》《荷影图》《蛙声十里出山泉》，他画的大***堪称一绝，是绝世之品。
老先生一生酷爱画虾，他笔下的墨虾工笔细巧，灵动可爱，或一只或两只，或多只虾在起，有时看似凌乱，却纤毫毕现，凌乱中又是那么清晰。
《蛙声十里出山泉》极富想象力，远处黛绿的山，一泉山水奔泻而下，水中几个小小的蝌蚪，一只青蛙不见，却仿佛听到青蛙在十里之处的叫声。这让人想去一幅古画: 深山藏古寺，不见寺庙，高山下一条河流，一个和尚在挑水，两者似乎有异曲同工之妙。
李可染***曾经为了写生，行程数万公里，这在我国的画家中实属罕见。他的《万山红遍》闻名于世。还有《爱晚亭图》《井冈山》等。
他的《漓江图》《牧童》也让人喜欢。《漓江图》画风凝重，层次感极强。山下的人家，水上的船儿，充满着浓郁的生活气息。而《牧童》系列图，厚重的老牛，调皮的牧童，各种骑牛的姿势，没有真实的生活体验是画不出来的。
当然还有象徐悲鸿***，他骏马图无人能比。擅长人物的范曾***的画在当今无人能出其右，而且书法也好。
当然，画匠也好，画家也罢，在国家文化事业发展中都有自己的独特位置，继承和发展上缺一不可，并无高低之分。
画匠、画家、书画艺术家有什么区别？艺术家的画作有什么特质？
这是个专业问题，需要具备专业知识与艺术素养才能分辨。为了便于普通爱好者的理解，本人就拿开车技术来说事。
考驾照以最简单的C照起（开私家车[_a***_]），然后是操控难度大点的B照（能开7人以上的车），再然后是操控技术要求与更高的A照。
所以，拿A照的人可以开B牌与C牌车，反之则不行，这就是技术要求决定的。还有一些特种车量，需要特别驾照才能驾驶它。
画匠、画家、书画艺术家的区别，就如开车技术的这种专业要求。那么，艺术家的画作特质又是怎么考量呢？
有，艺术家好比赛车手！
能把车子开出“灵魂”表现的是赛车手的基本要求与素质，而被称之为艺术家的人创作出的作品亦是如此。
唯一不同的是，驾车技术的水平高低通过肉体与眼晴直观就能辨别出来，而绘画艺术这个东西是一个心灵产物，所以需要通过心灵去对应。因此，一件艺术品可以被不同人群带来不一样的感受与解读，这也正是艺术的魅力所在。
结语：一个能被称之为艺术家的人，其作品必然具有前瞻性的实力……
这几个词虽然字面上差异不大，但其实有着本质区别，以下是我的分析与理解。并附一些书画大家的作品给大家欣赏。
画匠、画家和书画艺术家的区别
画家不仅要全面掌握绘画技法，还要在艺术表现上有自己独特的艺术风格。画匠也可能掌握了熟练的绘画技巧，但他们的作品大多模仿前人的作品或绘画风格，或重复其他人现有的纯技术或画工。
虽然他们的作品在外形或视觉上相似，但画匠很难展现出自己独特的艺术风格。因此，想要成为一名真正的画家并不容易。并且仅仅拥有被称为***的艺术风格还不够，还要有文学，历史，哲学和其他学科的深刻知识，在此基础上，建立独立的艺术理论与艺术系统，才有可能登上***的殿堂。
绘画对画匠而言是专业技能，但对画家来说是一种学问。书画艺术家则更是凭借自己的艺术才华和独特的艺术观，建立了自己的艺术风格，才成为真正的大家。要成为一名优秀的书画艺术家，我们需要深厚的艺术智慧，广博的知识，以及对生活和自然的微妙感受。
艺术风格是做不出来的
建立自己的艺术风格需要理论基础。没有理论支持，所谓的风格很难建立起来，也无法产生伟大的艺术。没有意义的拼凑和嫁接以及依葫芦画瓢，不可能产生任何风格。世界上任何杰出的***都依赖于真正的才能和实践学习，而不是投机取巧。东拼西凑的东西，美其名曰借鉴，只能说完全是一种投机取巧的画痞作风。翻开古今中外绘画史书可以看到，世界上没有哪一位具有独到艺术风格的***其作品不是建立在坚固的文化底蕴与理论基础之上，否则也不可能成为一种“流派”或“学派”。
没有思想的绘画只是一件装饰品
画匠掌握了绘画的能力，这只是他艺术道路的一半。掌握了绘画能力算是具备了一些“艺术”方面的基础知识，但还远远不够。艺术风格的建立取决于画家对“理性”的理解，没有了这个认知，又如何建立理论艺术风格？艺术风格就像画家的镜子，它不仅反映了画家的艺术才华，也反映了画家的艺术修养与造诣。中国画的艺术创新离开“理性”（中国传统哲学）的指导，它既不能反映中国文化，也不能产生任何难以模仿的“艺术”。 如果“艺术”只是一种方法，任何人一旦掌握，就没有秘密，是多么可悲的事。然而，作为一种绘画艺术，真正难以模仿的是画家的艺术思维和作品的内涵。没有这些，技术再新颖，也只能是没有艺术灵魂的装饰，不可能实现绘画的艺术境界和艺术价值。
艺术家建立自己的艺术风格，就像做产品一样重要，必须培养自己的品牌。画匠很难成为一名优秀的画家，因为他无法在作品中表达他独特的艺术风格，也不懂得如何表达。如果研究中国画的人对中国画的发展史，古代和现代绘画理论以及中国绘画技法理论都没有透彻的理解，他们怎么能够创作出一流的艺术作品？可以看出成为一名真正的画家是多么困难。绘画艺术不仅仅是一种视觉艺术，它的表现是无穷无尽的，所以不能容忍一点虚伪，那种过度甚至无知的猜测，只能欺骗自己，逗弄那些没有绘画常识的人。
书画艺术家：建立艺术之“理”的三个拙见
其一，画家在研究建立艺术风格问题之前，首先要对其艺术思维进行深入地研究，与此同时建立起对艺术本身的个人见解。不要一味的模仿前人，否则只能造就出一个不错的画匠，而不可能成就一个艺术***。画家的见解来自于对绘画艺术本身的认真研究与探索；对本民族文化深入透彻的理解；对文、史、哲等其它学科的全面通晓；对生活与人生的充分领悟；对社会的广泛认识；对自然的美好追求，这些是赋予艺术生命及内涵的基本要素。
其二，绘画艺术的成就取决于与众不同的艺术表现，对此，技法的创新与突破是其关键。要想使技法达到根本上的突破，靠的不是僵化的艺术思维，而应从“理”的层面上去认识技法创新的问题，所谓突破才有可能实现创新。这个“理”的突破来自于中国的传统文化，它可以改变画家固有僵化的思维模式，注入新的艺术思维方法，在此基础上画家完全可以构架出新的艺术体系、新的艺术概念、新的绘画表现形式。正确理解了中国传统文化与中国画发展之间存在的密切关系，就不难认识到建立艺术风格的理论与具体方法。
其三，作品的表现要反映出中国画的文化内涵，否则无法体现出中国画的艺术本质与艺术品位。成功的画家、书画艺术家不仅能够表现出新的艺术形式与新的表现技法，更要有画家赋予的艺术灵魂。心到意亦到，笔到神亦到。随意给你一支笔画出的艺术境界，才能够称之为“神品”。
最后总结一下：许多中国画家面对建立自己的艺术风格问题，也许可以从中国传统哲学与中国画发展理论中去深入探索、研究，以培养自己更高超的艺术水准。
